viernes, octubre 31, 2014

MOMENTOS QUE MARCAN. Pasión en la segunda temporada de Buffy Cazavampiros




Hola amiguitos, ya ha llegado el viernes ¿ganas de finde? Supongo que sí, como todos, el caso es que acabo de caer en que tengo muy abandonada la sección “Momentos que Marcan”, normalmente dedicada a esas escenas sean de libros, series, videojuegos  o películas que por algún momento u otro se quedan grabados en la retina.

Hoy me he acordado de uno de mis capítulos preferidos de Buffy la Cazavampiros. En concreto del episodio diecisiete de la segunda temporada, que tenía el apropiado nombre de Pasión. Menuda temporada de sobresaltos, Angel por culpa de una maldición gitana y de un polvo tardío con Buffy se volvió a convertir en Angelus, el vampiro sin alma que fue durante décadas.

Lo cierto es que yo me quedé a cuadros, la bondad del personaje a tomar por culo y no sabía si tendría continuidad, así que igual si que era el fin de Angel. Claro que la Scooby Gang no podía estarse quieta y trataron de ponerle solución al asunto. En aquella temporada destacaba el personaje de la profesora Jennifer Calendar. Maestra de ciencias que vino a completar la soledad de Rupert Giles, bibliotecario y vigilante de Buffy. Un personaje que lo había dado todo en pos de una misión y que había sacrificado cualquier posibilidad de ser feliz.

Ahí entró ella para que Giles descubriese un mundo mejor, un mundo menos oscuro y justo cuando parecía que la noche era más oscura y habían encontrado una cura para Angelus, va David Boreanaz (actor, que el muy gilipollas reniega del papel que le dio la fama) y se la carga, la muerte sucede fuera de plano, pero lo verdaderamente cruel es lo siguiente.

Giles llegando a su casa, a una cena romántica, se encuentra todo el camino al dormitorio lleno de velas y pétalos de rosa, una vez allí sucede el horror  y se encuentra a su amada tirada sobre la cama con el cuello roto. Ese episodio fue un mazazo, era la primera vez que Joss Whedon se cargaba a alguien tan cercano a la pandilla, era la primera vez que Willow, Xander y compañía sentían que la muerte también les podía llegar a ellos.

Un aplauso para la capacidad de drama de Mr. Whedon.


SITGES 2014. OVER YOUR DEAD BODY ¿Genialidad o Estafa?




Bueno, pues vamos con otra crítica de Sitges, la de hoy me ha sido muy complicada de escribir porque “Over Your Dead Body” es con diferencia la película que menos me ha gustado de Sitges 2014. Cierto es, que soy bastante conformista y que me suele gustar casi todo lo que veo porque mi abanico de gustos es muy amplio, pero una cosa es una cosa y otra cosa es un piano.

OYDB es la última locura de Takashi Miike, uno de los directos fijos en Sitges porque cada año presenta una película, si no dos, como el año pasado. Aún estoy desconcertado con la película, sigo sin saber muy bien que me quería contar Miike y eso me fastidia, porque por lo general me gusta mucho su obra, en lo oriental creo que sólo me gusta más Kitano.
Esta es la sinopsis oficial.

Un grupo de teatro ensaya un clásico de misterio, en el que la traición y la venganza ocupan un lugar central. La vida entre bastidores se verá salpicada de sangre cuando lo fantasmagórico abandone la ficción e irrumpa con terribles consecuencias en la realidad.

Desde el primer momento en que parece que realidad y ficción se tuercen me quedé bastante perplejo, no estaba seguro de si me encajaban las cosas y mira que iba receptivo de ver algo raro porque si hay algo que Miike no es, desde luego es convencional. No puedes esperar un filme que te lo explique todo en una pizarra, ni tampoco una estructura 100 % lineal.

Para mí el problema con OYDB es que por mucha mente  abierta que le eche, se me hace demasiado larga (los japoneses tienen un problema con la duración de las películas, parece que tienen que amortizar una cinta VHS grabando hasta el final) y que cuando llevaba una hora y no acababa de pillarlo todo, ya me importaba una puta mierda, porque lo quería es que se acabase.

Desde luego tiene toques interesantes, algunos momentos de violencia de género que no sabes hasta que punto son metafóricos para la protagonista femenina (me refiero a que lo interesante es la desconocida intención narrativa de Miike con esta escena, no la violencia en sí). Así mismo la fotografía es muy acertada y la forma en que se ha grabado gran parte del metraje, con la cámara muy baja, a ras del escenario y que hace que de verdad los espectadores de la película seamos espectadores en primer término del espectáculo surrealista que suele ser el cine de Miike.

Sin embargo creo que Miike de tanto jugar con la percepción del espectador, acaba por tomarle el pelo, así que como travesura OYDB está muy bien, pero como película en sí… otra cosa es ya lo que una cinta de este tipo pinta en Sitges, pero eso es otro cantar.

NOTA: 5/10

jueves, octubre 30, 2014

THE EQUALIZER - EL PROTECTOR - . Matar es cuestión de tiempo.

 

Hay películas que uno sabe que irá a ver al cine sí o sí, una de esas películas ha sido para mi sin duda alguna “The Equalizer”, la última película del director Antoine Fuqua, que repite con el actor Denzel Washington, que le brindó el Oscar a la mejor película por Training Day hace ya unos cuantos años. Para un servidor Fuqua es sinónimo de calidad, diversión, acción bien rodada, una especie de mezcla entre Tony Scott y Paul Greengrass. Es decir, sus películas son adrenalina pura y dura y cada plano que rueda es interesante por un motivo u otro.

En The Equalizer, tenemos a un protagonista encarado por Denzel Washington que desde el primer momento resulta tremendamente sugerente al espectador. Un tipo entrañable, carismático, amable con todo el mundo y que tiene una aparente obsesión con cronometrar todo lo que hace (hábito que según avanza el filme se deja de lado), desde el primero momento, sus gestos, su mirada, hacen entrever que oculta algo y parte de este misterio sin resolver será uno de los principales pilares de la cinta. Que sí, que responde varios interrogantes pero no deja del todo claro que es Denzel Washington. Esto puede ser bueno o malo, según os lo queráis tomar, si sois de los que necesitáis que os cuenten todo o no.

Al final como sucede en estos productos de entretenimiento puro y duro, Denzel se verá envuelto en una trama con la cada vez más guapa Clhoë Moretz, que borda su papel, y su pasado volverá a estar a la orden del día. La primera escena en la que nuestro protagonista exhibe sus habilidades es sencillamente perfecta: original, bien coreografiada y muy vistosa, además la cámara y la fotografía de Mauro Fiore acompañan para que no nos perdamos nada.

Así que en resumen tenemos dos horas y cuarto de Denzel Washington volviendo por sus antiguos fueros en una lucha brutal contra la mafia rusa. Es precisamente su duración uno de los principales escollos de la película, porque a The Equalizer le sobran perfectamente quince o veinte minutos que en pantalla han sido ocupados por los juegos de miradas del mencionado Denzel y del antagonista Marton Csokas.

Sin embargo la parte más floja de The Equalizer es su guion, la historia cumple, es efectista y ofrece lo que promete. Pero da demasiadas cosas por hecha y tiene fallos de tiempo narrativo y licencias por un tubo, es posible que el presupuesto fuera muy ajustado (eso explicaría lo cutre que es la explosión del puerto) pero hay muchas cosas que quedan raras ¿cuántas casas tiene el protagonista?  O la escena final, que es un epílogo totalmente gratuito.

Podríamos decir sin miedo a equivocarnos que The Equalizer pese a divertir, es probablemente la película más floja de la filmografía de Fuqua, parece hecha a desmano, con prisas y sin preocuparse mucho por el resultado final.

NOTA: 6/10

miércoles, octubre 29, 2014

GOTTHARD + HARDCORE SUPERSTAR + RECKLESS LOVE



Este otoño está calentito en lo que a Hard Rock se refiere, sobre todo gracias a Krea Producciones, promotora que se está trayendo muchos grupos a España y giras apetecibles a priori (remarquen el “A priori”) como la de Gotthard con unos invitados de lujo para Madrid de la talla de Hardcore Superstar y Reckless Love. Todo pintaba muy bien, pese al elevado precio de la entrada, y además desde Krea tuvieron el detalle de que cada banda tuviera tiempo para su set completo, lo malo es que esto provocó que tuviéramos que estar en la Riviera a las 17:30… que ya se sabe que en esa sala a las 23:00 sacan a los perros para echar a los heavys.

Una vez dentro de la sala, la sensación era rara, porque bien es sabido que a la Riviera en dos injustos mandatos le han quitado mil personas al aforo oficial, y ni por esas se agotaron, de 1800 personas que podríamos haber sido, no se llegó a las 1200, creo que es un dato bastante esclarecedor de como están las cosas. Claro que si Gotthard vuelven a venir a la capital, va a ir a verlos su puta madre, pero ya entraremos luego en detalles.

A las 17:30 con una puntualidad obscena salieron a la palestra los fineses Reckless Love, formación que no me dice prácticamente nada cuando los escucho en casa pero que sin embargo me apetecía ver porque es uno de los pocos grupos que no había visto todavía en directo de cuantos conciertos he ido este año. Pues bien, arrolladores y divertidos como ellos solos, con un gran frontman en la figura de Ollie Herman, que no paró en ningún momento.

Circunstancia que no le hizo ningún bien, porque a este clon de Zack Morris de Salvados por la Campana, se le acabó el oxígeno y en los últimos temas le costó estar a la altura. De todas formas su show tocando canciones de sus tres discos pero con especial énfasis en su último trabajo, Spirit, fue muy divertido  e intenso. Me gustaron especialmente los temas “On The Radio”, “Hot”, “Night on Fire” y la inmensa “I Love Heavy Metal” con la que abrieron la velada.

19:15, todavía no se notaba el cansancio , la sala tenía más o menos la misma gente, porque lo que se podría hablar casi de palmada de pasta para la promotora, daba igual, porque llegaba el momento más deseado para todos los que estábamos allí (y los que no piensen igual es que todavía no habían visto nunca a estos craks) ya que era el momento de ver a los suecos Hardcore Superstar, ya son tres los conciertos que he visto y cada vez me gustan más. Pero es que es imposible estar en un bolo y no dejarse arrastrar por la marea que supone ver a Joaquim Berg sobre el escenario, que con sus cuarenta años sigue siendo imparable.

Encima esta vez tocaron una hora y cinco minutos – mucho para ser ellos y para la caña que se dan – marcándose un set muy bueno, aunque a mi gusto le faltaron temazos, pero claro teniendo en cuenta que me gusta prácticamente todo lo que han grabado era de esperar. Simplemente por enumerar algunos de los himnos que tocaron: “Moonshine” (increíble comienzo de concierto), “Kick of the Upperclass”, “Dreamin in a Casquet”, “My Good Reputation”, “Last Call For Alcohol”, la preciosa balada “Run For Your Mama” y por supuesto “We Don´t Celebrate Sundays”. Incluso tocaron un tema totalmente nuevo que hubo quien se atrevió a cantar y todo.

Los mejores de la noche sin ningún tipo de discusión o duda, un “must see” en esto de la música en directo. Lo malo es que para ver a Gotthard quedaban cuarenta minutos, un parón largo en exceso que no hizo más que provocar aburrimiento, aburrimiento que se vio acrecentado en cuanto comenzaron a tocar.

Pocas veces, prácticamente ninguna de hecho, he estado tan a punto de abandonar la sala sin haber terminado el bolo como el sábado pasado con los suizos, el hecho de que quisieran escuchar sus últimos temas y que la entrada hubiese costado una pasta fueron los motivos por los que no me piré. De verdad, con lo que fueron Gotthard… si Steve Lee levantase la cabeza… sería para cortarle la suya a Nic Maeder.
Por dios, que tío más soso, que poco conecta con el público, que poco sentimiento le pone a lo que hace, que asco a fin de cuentas. No vale solo con tener un rango de voz similar al del mencionado Steve Lee, que a fin de cuentas tampoco era un fuera de serie técnicamente hablando, tienes que ser capaz de demostrarlo en el escenario, de ser digno merecedor de un legado como el de Gotthard.

Musicalmente no se le puede poner pegas, sonaron todos impecables, pero el setlist fue una pesadilla. Nueve temas de los últimos dos discos, mogollón de baladas seguidas, temas alargados para que el público (aburrido) participase, gente sentándose en los laterales de la sala y más gente aún yéndose en los bises. Que sí, que en ese momento sonarían “Lift You Up” y “Anytime Anywhere”, pero todos estábamos ya hasta la polla. No me vuelven a ver a mí nunca más.

Haciendo caso del inmortal Gandalf, si Gotthard vuelven a una sala en su ciudad “¡Huid Insensatos!

SITGES 2014. Realité de Quentin Dupieux. Una comedia atípica 100 %




Buenos días amigos, bienvenidos a una nueva crítica tempranera del pasado festival de Sitges. Hoy vamos con una comedia surrealista, sip, una comedia, es cierto que cabría realizar un debate sobre que película es apta o no para emitir en Sitges y es que este año la amalgama de géneros que estaría fuera de la supuesta órbita del festival ha sido enorme, quedando relegadas muchas películas a los maratones de madrugada, películas que en otras ediciones habrían tenido horarios más decentes.

Es cierto que el realizador francés Quentin Dupieux, es un viejo amigo del evento, el año pasado sin ir más lejos nos ofreció la descacharrante comedia “Wrong Cops” y hace dos años “Rubber”, una película donde un neumático, sí, un neumático, atacaba a la gente con hondas mentales y los mataba. Esa película, pura serie B en la línea de “El Ataque de los Tomates Asesinos” sí que me parece perfecta para Sitges, pero mejor no nos desviemos más de la cuenta.

Realité es una de las películas más inclasificables que he visto en años, de hecho repiten algunos actores de la también inclasificable “Wrong Cops”. Todo comienza con una niña que acompaña a su padre a cazar jabalíes, cuando están destripando uno, se encuentran una cinta de video VHS intacta en su interior que será el detonante de la película. Una película donde se cruzarán un montón de historias aparentemente independientes pero que nos tendrán pegados a la pantalla para descubrir su nexo común.

El principal protagonista es Alain Chabat, un camarógrafo que quiere debutar como director con una idea que seguro que os suena, en el futuro las televisiones cobran vida propia y matan a la gente mediante  microondas. Pues bien la escena en la que intenta vender la película al productor, por sus diálogos, por sus cambios de escenario, por los gestos de los dos interlocutores me ha recordado a los mejores momentos de genios de la comedia como los Hermanos Marx. Absurdo, descacharrante, con ganas de más.

Pero no será la única historia, porque un viejo conocido – no diré quién – tiene sueños en los que se viste de mujer y conduce un jeep militar, así como lo oís. Todo esto se va mezclando y durante muchos pasajes de Realité no sabremos si estamos viendo algo que sucede en la realidad o en la mente o sueños de los protagonistas. Pero creedme cuando os digo que todo queda bien explicado.

En resumidas cuentas Realité ofrece hora y media de risas extrañas, momentos raros, imágenes evocadoras y escenas falsamente inconexas conducidas por la fantástica banda sonora que es obra del propio Quentin Dupieux. Muy recomendable si buscáis algo poco convencional.

NOTA: 8/10

martes, octubre 28, 2014

NINJA TURTLES 2014. Cowabunga! Estas son mis tortugas.




Si había una película en este año 2014 que me daba miedo ver, era sin duda las Tortugas Ninja. Soy un fanático de los personajes desde que era niño, y tengo mitificadas las películas originales, figuras, videojuegos, cómics… Michael Bay estaba metido en el proyecto, lo que hacía que la sensación de pavor fuera incluso mayor, las primeras informaciones sobre que las Tortugas serían extraterrestres y que William Fichtner sería Schredder daban mucho miedo.

Finalmente la cosas se fueron atenuando, el co-creador Kevin Eastman matizó que sólo sería extraterrestre el origen del mutageno (al igual que en los cómics) y el director Jonathan Liebesman indicó que Fichtner sería un hombre de negocios, ya respiré algo más tranquilo pese a la presencia de Megan Fox, que interpreta a April O´Neil del Canal 6 con chupa amarilla incluida, pero que es de lejos lo peor de la película y resulta bastante mosqueante el protagonismo que tiene.

Pues bien, una vez disfrutados los cien minutos que tiene la película, tengo que decir que he acabado encantado, me lo he pasado como un enano y aunque como cualquier reinicio y relanzamiento tiene sus licencias, creo que es una película bastante acertada, pero primero comenzaré con lo que no me ha gustado. No me ha gustado que el Clan del pie sean unos rateros, tampoco que se haya suprimido del todo la identidad humana de Splinter y que Schredder no esté nada desarrollado, está desfigurado pero no se explica porque y la armadura que tiene llena de tecnología, en fin…

Pero son cosas menores, porque estas tortugas si son mis tortugas. Leonardo, el líder; Donatello el científico, con mil y un inventos; Raphael el rebelde e impulsivo y Mike el chistoso y payaso. De hecho se parecen bastante a las Tortugas Ninja animadas originales. Su aspecto es un poco grotesco, pero no me descuadran tanto sus pintas dentro del marco pseudo-realista que se le quiere dar a la historia. Historia que tiene algún que otro agujero o detalle bastante chusco como la fuerza que tiene Raphael en su primera aparición lanzando contenedores como si fuera el increíble Hulk XD

Sin embargo, escucharlas hablando entre ellas, escuchar a Splinter echándoles la bronca y verlas en acción es una puta gozada. Las escenas de acción son sencillamente alucinantes, aunque si bien es cierto que las dos primeras escenas son un poco confusas y el descenso por la montaña de nieve algo pesada. El abultado presupuesto está bien empleado y las Tortugas realizan saltos imposibles, podemos ver la cueva en todo su esplendor, el monopatín-cohete de Michealangelo e incluso unas pinceladas de la Tortugoneta, que a los fans más tulliditos seguro que les ha hecho gracia.

Son de agradecer los guiños a la mitología clásica de las tortugas y referencias a versiones más recientes, como la inclusión en la historia de la protegida del despedazador, los títulos de crédito iniciales, el símbolo japonés que significa familia, el impagable chiste sobre que además de tortugas ninjas son adolescentes y mutantes o la afición descarada por la pizza. Y por supuesto Kowabunga!

Me gustaría destacar también la impresionante banda sonora compuesta por Brian Tyler, quien es sin duda el compositor más en forma actualmente, una gozada de orquestación y épica.

Que cuenten conmigo para una secuela. Lástima que los niños de ahora no sean como los de los ochenta y se les proteja en exceso. Porque la película de 1990 era mucho más macarra, oscura, violenta y con tacos.

NOTA: 8/10

lunes, octubre 27, 2014

ALL NEW MARVEL NOW. Los Nuevos Invasores. Dioses y Soldados


 
Bueno, por fin una nueva serie de Marvel que me gusta, ya era la verdad, y es que del maremágnum de mierda y relanzamientos que ha sido All New Marvel Now son las pequeñas series como Loki o estos Nuevos Invasores, las que están consiguiendo que no pierda del todo la fe en la Casa de las Ideas, sí, sé que me repito últimamente, pero es que estamos llegando a unos límites de mediocridad que no son normales XD

Los Nuevos Invasores, que creo que serán cancelados más pronto que tarde,  son una colección Marvel de las de toda la vida, con sabor a aventuras clásicas, con héroes comportándose como héroes, sin trampa ni cartón, puede que incluso el concepto y el tono de la serie estén algo desfasados para los tiempos que corren, pero a mí una mirada nostálgica al pasado de cuando en cuando, es tan válida como los siempre obligatorios nuevos aires que insuflar.

Para que la maquinaría encajase Marvel ha contado con un guionista de esos que conocen a la perfección el pasado de los personajes y saben jugar con la historia a dos tiempos: James Robinson, que aquí sí que me parece el James Robinson de JSA o Starman y no el de los 4F. Por ahí había leído, que el uso de los flashbacks por parte de Robinson es excesivo, pero no me lo ha parecido ni por asomo, creo que están bastante equilibrados y además se acuerda de todo tipo de personajes de la Segunda Guerra Mundial, no sólo de los más famosos.

Por otra parte, y al menos en esta primera aventura, la justificación por la que los Invasores tienen que reunirse está bastante justificada. Los Kree quieren volver a tener su posición de dominio en el Universo y necesitan recuperar un artefacto que los Invasores ocultaron en varios lugares del mundo hace décadas. Así, el Capitán América, El Soldado de Invierno, la Antorcha Humana Original (que tiene un poquito más de peso que los demás) y Namor, deberán enfrentarse a la Inteligencia Suprema que enviará a una nueva perseguidora tras ellos.

Me quito el sombrero ante Robinson y como maneja a los personajes. El orgullo de Namor, el liderazgo del Capi, las dudas de la Antorcha y la determinación de Bucky. Los diálogos finales entre Steve Rogers y Jim Hammond me han encantado, además de que abre muchas posibilidades interesantes. Así mismo, el uso de la continuidad moderna está muy bien empleado. Hay referencias a Infinito, a la amistad de Ronan con los Vengadores. Así es como deben hacerse las cosas ¿no quieres usar la continuidad? Muy bien, no la uses, pero no te cagues en ella.

Un tebeo con mucha acción y muy bien dibujado por Steve Pugh, muy acertado también es que Panini haya incluido la historia corta del One-Shot que presentaba All New Marvel Now, porque ahí se explica el plan de los Kree, y la última página con el plan de la Visión original… me ha dejado sin palabras. Espero que le de tiempo a Robinson para llevarlo a cabo.

NOTA: 8/10

SITGES 2014. Automata. Antonio Banderas y la CIFI


 
Hola amiguitos, bienvenidos a una nueva crítica de Sitges, hoy vamos con algo de producto nacional y es que es que desde el pelotazo en 2007 de El Orfanato, se ve que a los que ponen la pasta en este país les entra mejor lo de hacer cine de género fantástico. Así nos llega Autómata, segundo filme de Gabe Ibáñez que me ha gustado, no tanto como Hierro, pero creo que es una estimable película de ciencia ficción.

Autómata lleva la acción a un par de décadas en el futuro, la Tierra ha sufrido un proceso de desertización y la gente se refugia en grandes ciudades donde se ha creado un sol y unas nubes artificiales, el oxígeno es muy mala calidad y la lluvia es totalmente insalubre. Para todas las tareas de trabajo desde las más duras a las más domésticas, se han desarrollado todo tipo de androides, estos androides viven con dos parámetros: no pueden hacer daño al ser humano y no pueden modificarse a sí mismos.

El filme comienza con unos títulos de crédito excelentes que muestran a modo de storyboard como ha ido cambiando el mundo por culpa del cambio climático, bocetos de tecnología, algo de rollo steampunk incluso y una estética y fotografía que se intenta asemejar a Blade Runner de Ridley Scott con toques de las leyes de la robótica de Isaac Asimov.

En esto entra en juego Antonio Banderas, cuyo personaje Jack Vaucan interpreta a un agente de seguros de la compañía robótica que investiga fraudes e incidentes con seguros, poco podía imaginar que se vería envuelto en algo que no creía posible: ser testigo de un robot que se repara y se mejora a sí mismo. Desde este momento se desencadenarán una serie de acontecimientos que trastocarán toda su vida en los 110 minutos que dura la película.

Como he comentado antes, me ha gustado, pero es cierto que la película carece de un ritmo definido y su primera parte cuando se presenta este nuevo futuro y comienza toda la trama de investigación sobre el androide es mucho más interesante que el resto. En esta primera mitad vemos por ejemplo a Melanie Griffith como madam de un burdel de robots que dan placer y descubrimos también cosas de los bajos fondos.

Es una pena que Autómata falle precisamente a la hora de abordar todo lo relativo de la ciencia ficción, amén de que resulta bastante previsible todo lo que va  a suceder y consigue aburrir un poquito con los monólogos de la inteligencia artificial que cobra vida y el resultado final del viaje cuasi mesiánico al que se obligado  -literalmente - para averiguar la verdad sobre todo lo ocurrido no puede ser más anticlimático. Está bien tener al menos de secundario a Dylan McDermott que siempre cumple.

En el apartado técnico, los resultados son buenos pero con matices, me refiero a que toda la parte que se desarrolla en la ciudad es una pasada, muy bien aprovechada, muy currada, pero se nota que a Autómata le faltaban unos cuantos millones para ser todo lo que sus creadores querrían ya que buena parte de la cinta se acaba desarrollando en el desierto y con cuatro muñecos que hacen de androides, pero igual de resultones eso sí.

De todas formas, me alegro mucho de que se hagan este tipo de películas, hay que arriesgar y salir de los cuatro temas de siempre que encierra el panorama cinematográfico actual que basa toda la taquilla en las comedias estúpidas, los dramas de Almodóvar, las mujeres maltratadas de Isabel Coixet y la Guerra Civil abordada por el primero que pasa por aquí. Bravo por Gabe y por Antonio que está genial en su papel, todo hay que decirlo.

Antes de terminar quiero dejar mi opinión sobre la distribuidora en España, desconozco como se cierran estos acuerdos y demás, pero debería darse algo de prisa en estrenarla, porque su llegada a las pantallas españolas está fijada para el mes de enero de 2015 y lamentablemente se puede encontrar para descargar en una calidad muy buena desde hace más de quince días, gracias a su lanzamiento en V.O.D en Estados Unidos.

NOTA. 6/10

domingo, octubre 26, 2014

VA DE MONSTRUOS XX: The Night of The Creeps (1986)


Hola amigos, bienvenidos un nuevo domingo a las secciones temáticas de Los Archivos de Typhares, la verdad es que creo que llevo casi un año sin faltar a la fecha del último día de la semana, hoy vamos con una nueva entrega de Va de Monstruos, y como es una entrega “par”, toca habar de una película. Viajamos hasta los ochenta para revisitar “El Terror Llama a Su Puerta”, una cinta de 1986 que en España se estrenó por todo lo alto, con marquesinas incluidas de esas que ocupaban toda una fachada en la Gran Vía de Madrid. El poster que el encabeza el post no era el más adecuado e incluso siendo un niño recuerdo a mis padres discutiendo sobre si era apropiado o no.
 

Formato. Película americana de 84 minutos de duración, fue dirigida por Fred Derekk, productor, guionista y realizador que debutó con este filme en este apartado, al año siguiente nos regaló esa joya llamada “The Monster Squad”. El filme por motivos que explicaremos más abajo, es una parodia del género de zombis y su título original (En España fue titulara “El Terror Llama a Su Puerta” por culpa del poster promocional) es una clara alusión a la mítica “The Night of the Living Deads” de George A. Romero. Como era de esperar fue un fracaso comercial y no logró amortizar los cinco millones de dólares que costó.

¿De qué va? Jason y Jill son dos adolescentes a punto de llegar a la Universidad, a Jason le mola una chica que sale con el líder de una hermandad de descerebrados. Los pringados intentan entrar en la hermandad, para ello deben robar un cadáver. Pues poco pueden imaginar que acaban liberando a un ser humano que estaba criogenizado desde los años 50 y que será el punto de inicio de una invasión extraterrestre.

Bicho Protagonista. Pues lo primero que habría que destacar es la gloriosa escena inicial, en el espacio exterior donde una nave donde hay unos aliens pequeños y rechonchos, persiguen a golpe de rayo láser a unas babosas que consiguen escapar en una cápsula hasta la Tierra. Las babosas tienen el poder de convertir a sus portadores, sean humanos o animales, en zombies que sólo ansían matar y a alimentarse. 
Para que todo sea aún más asqueroso, sólo pueden hacer la incursión vía oral y se reproducen en el interior del cráneo.

Opinión.

“Enhorabuena, tu cita para el baile ha llegado, lo malo es que está muerta”

Con esta frase tan ochentera y que sirvió de eslogan a la película se puede definir a la perfección esta película. Como habíamos comentado Fred Derekk debutó con “Night of the Creeps” y en todo momento lo que quería era hacer una cinta divertida a más no poder, rendir homenaje al cine de su infancia y para ello conocía muy bien los ingredientes.

Contamos con los personajes arquetípicos. Dos adolescentes panolis, un flechazo de uno de ellos a una tipa guapa (que tiene escena donde enseña sus tetas de manera TOTALMENTE gratuita), unos matones mayores que ellos y un policía amargado por sus demonios del pasado y que está totalmente salido de rosca. Todo esto lo mezclamos con los típicos bailes de universidad donde ellos llevan smoking y ellas un vestido de princesa Disney y un ramillete. Todo es muy chachi y muy feliz, así que sólo falta la tragedia XD

La verdad es que la cinta pesa a durar sólo 84 minutos se toma su tiempo para arrancar, la escena casposa de inicio con los aliens me parece delirante del estilo de otras películas como Critters, para luego pasar a los personajes y a unos diálogos totalmente forzados repletos de frases como “no lo vamos a pasar de muerte” o “no es para tanto, peor sería estar muerto” y cosas así.

Lo dicho, todo muy absurdo, todo muy de manual y todo tremendamente divertido. Inicio, nudo y desenlace. No busca descubrir nada, no hace falta, el homenaje y las coñas son el motor de “El Terror Llama a Su Puerta”. Me han encantado todos los guiños, por ejemplo el lugar donde se desarrollan los acontecimientos es el Instituto Corman, por Roger Corman. Mientras que los apellidos de todos los personajes son: Cronenberg, Carpenter, Cameron, Landis, Romero, Hopper, Raimi o Miner. No se han dejado ni uno. Quizás Wes Craven, pero el creador de Freddy Krueger todavía no era famoso.

El Momento. Toda la juerga final con la masacre en la fiesta de inicio de curso, con los protas armados con lanzallamas, arma que les proporciona Dick Miller (el Señor Futter de Gremlins), y escopetas. Sangre, risas y macarreo en estado puro.

Lo Mejor. Lo gamberra que es, el carisma de los dos protagonistas, los continuos homenajes al cine de terror y su absoluta falta de pretensiones.

Lo Peor. Creo que le habría venido guay tener más sangre y casquería.

sábado, octubre 25, 2014

SUPERMAN: RUINA de Greg Rucka. La mayor amenaza para el Hombre de Acero

 


ECC está haciendo un gran trabajo a la hora de reeditar material DC en España, en serio que lo creo (que imagino que todos me vais a lapidar), sacan material relativamente reciente y sus precios no me parecen tan exagerados. Además me gusta que sean etapas contenidas como la de Adventures of Superman que escribió Greg Rucka hace casi una década. Etapa que ya había sido publicada en España pero de manera horrible en aquel tomo familiar que editaba Planeta al estilo de los de Spider-Man.

Greg Rucka, un autor todoterreno, pero especialista en las historias de corte policiaco, oscuras, puro noir, cuando se acerca a los superhéroes suele hacerlo a personajes como Batman (quiero su Detective Comics y su Gotham Central YA!), Lobezno, Daredevil… pero fíjate que en DC confiaban en él y que se encargó de Wonder Woman y luego de Superman. Su etapa fue criticada severamente, pero creo que leída de una tocada toda seguida estamos ante una historia sólida, trepidante y con mucho ritmo y sorpresas.

Rucka, cual doctor maléfico se propuso practicar la retro-ingeniería con El Hombre de Acero y que este fuera más vulnerable que nunca, gracias a un nuevo villano “Ruina”, un contrincante que sabría todos los secretos del Hombre de Acero, y todos son TODOS. Sus debilidades, sus amigos, su mujer. Lo mejor es que Rucka le da un propósito al contrincante de Superman. No quiere fama, poder o dinero, quiere acabar con Superman, porque el último hijo de Krypton es malo para la humanidad, poco a poco consume el sol que alimenta nuestro planeta y él quiere ponerle fin.

Buena parte de la trama estará centrada en descubrir quién es Ruina, porque queda claro que es alguien que conocemos y la revelación fue bastante polémica, pero personalmente creo que encaja a la perfección. Es de agradecer también que Rucka se apoyase en los secundarios de Superman, más la creación de alguno nuevo como la Teniente Lupe Leocadio (una policía Latina de armas tomar, y es que la cabra siempre va al monte), nuevas versiones y revisiones de algunos de sus villanos y si, también está Luthor, pero será bastante circunstancial.

Hay presencia de otros personajes como son Batman o Wonder Woman, en la recta final encontraremos más páginas con Diana, pero también hay que tener en cuenta, que en ese momento el landscape de DC era la paranoia anti superhéroes pre-Crisis Infinita cuando WW le partió el cuello a Maxwell Lord, quien a su vez estaba controlando mentalmente a Superman, es posible que algunos de los últimos episodios sean algo confusos por culpa también de la presencia de tramas relativas al Proyecto Omac, que también escribió el propio Rucka como prólogo a la mencionada Crisis.

La parte más floja quizás es la artística, con un baile de autores por lo general cumplidores pero que no ayudaban al equilibrio artístico de la obra, destacaría a Renato Guedes o Rag Morales, pero han sido muchos como Jon Bogdanove, Matthew Clark, Paul Pelletier… mientras que las portadas eran mucho más agradecidas con el trabajo siempre impecable de Gene Ha.

Como habréis podido deducir, me ha gustado muchísimo y me lo he pasado genial leyendo estos tres tomos. Pero no quiero terminar sin destacar el increíble trabajo que realiza Rucka con Mr. Mxyzptlk, sencillamente brillante, este mago semi divino de la Quinta Dimensión, ha aparecido cual Vigilante Marvelita, para avecinar tiempos oscuros, pero también protagoniza alguno de los momentos más divertidos y surrealistas del cómic, en un momento se rompe la barrera de la realidad y le vemos interactuando con el bullpen de DC o hay páginas que son un homenaje a Sin City o Calvin & Hobbes, una gozada.

NOTA: 8/10

SITGES 2014. Giovanni´s Island. No Apata para Sensibles




Hola amiguitos, seguimos repasando poco a poco las películas que pude ver en el pasado Festival de Sitges, este año como estuve menos días tuve que reducir mucho las películas que pude ver, en 2014 sólo he visto una película de animación japonesa “anime”: Giovanni´s Island, que tendrá distribución en España de la mano de Selecta Visión, es la última película de Mizuho Nishibuko, realizador de series como Video Girl Ai o Vacaciones de Verano, también realizó una película muy chula sobre Mushashi.

Giovanni´s Island, está ambientada en los compases de la Segunda Guerra Mundial, cuando Japón ya ha perdido la guerra y el sentimiento es desolador, en una pequeña isla de pescadores un día el mundo que conocen se acaba por completo. El ejército ruso se adueña de la isla y poco a poco van deteniendo a todos los insurgentes y soldados, también se ven desplazados de sus clases del colegio, sus casas, todo lo que conocen, todo lo que tienen, se le quita.

En este desolador panorama están dos hermanos Giovanni y Campanella, que intentan seguir adelante con su madre, su abuelo y el estafador de su tío, un truhan que trapichea con lo que puede y que vive del contrabando, un ser de baja moral pero que sin embargo consigue que siempre tengan comida en la mesa, así que su corazoncito si que tiene.

Giovanni´s Island, es una película muy dura, de hecho me dejó bastante mudo en muchas de sus entregas, tiene un final crudo, lacrimógeno, para nada gratuito y que invita a la reflexión sobre la historia relativamente reciente del mundo, hace que te plantees lo que es de verdad importante y que por un momento te olvides de lo materialista que es la sociedad o al menos eso es lo que me pasó a mí.

Pero ojo, que Giovanni´s Island también es una película preciosa, con una banda sonora de sonora maravillosa de Mashashi Sada y una animación muy fluida Production I.G., la película también es un canto a la superación, a la no desesperación en las situaciones adversas, una llamada a soñar (en este caso representado por un trenecito eléctrico de juguete que los chavales van construyendo poco a poco) pero sobre todo es una historia de amistad.

Una amistad entre dos mundos, la amistad de Giovanni y Campanella con una niña rusa que además ocupa su antigua casa. Será la inocencia de los protagonistas, su buen corazón o sus buenas intenciones el único requisito para dejar atrás todas las barreras, estos tres infantes nos regalarán algunas de las mejores escenas de todo el filme, de esas que sin darte cuenta te dejan dibujada la sonrisa en la cara.

NOTA: 9/10

viernes, octubre 24, 2014

LA EVOLUCIÓN GRÁFICA DE LAS TORTUGAS NINJA




 Hola amigos, esta semana pude ver la última película de las Tortugas Ninja, y os tengo que confesar que me ha encantado la verdad. Buscando info y cosas chulas, me he topado con esta evolución gráfica de mis adorables bichos verdes. Es bastante completa, aunque yo habría metido un par de cosillas más.
 Comienza con el primer borrador o sketch que hicieron sus autores originales, en aquel entonces era una única tortuga, la que luego sería Michaelangelo, ya que iba armada con los nunchakus. El boceto es bastante feo, todo hay que decirlo. Menos mal que durante los siguientes años la cosa fue mejorando bastante, a destacar la mueca eterna de mala leche, las cuencas de los ojos vacías y las badanas de color rojo, así que la única manera de distinguirlas era por las armas que portaban, porque las personalidades todavía no estaban muy trabajadas.

En 1987 llegó la primera serie de animación, un producto que iba destinado para todos los niños –aunque gustó a jóvenes y mayores también- había que hacer algo, así se les cambiaron los colores de las badanas y se marcaron las personalidades bastante más, así a partir de ahora (aunque antes ya había fogonazos) Ralph sería el rebelde, Mike el chistoso, Leonardo el líder y Donatello el genio científico.

Con la llegada de los locos años 90, se mantuvo lo que debutó en la pequeña pantalla poco antes, así en las películas el aspecto era muy parecido y la animatronica de las máscaras fue obra del genial Jim Henson. Una macarrada que poca gente conoce, el musical, vestía de boy band a las tortugas con chalecos, gafas, rodilleras, chaquetas con coderas y todas esas horteradas de la época.

Ahora vienen dos productos que apenas conozco, unas ovas de anime con los personajes en plan Power Rangers que según pone ahí nunca fue lanzada fuera de Japón y que supongo que será difícil de conseguir y una serie de imagen real de televisión que incorporó a una quinta tortuga que era hembra y para distinguirla la pusieron una trenza muy larga. A destacar que en España se lanzó parte de la serie en VHS pero creo que nunca llegó a emitirse en la TV. Se potenció la imagen de adolescentes y les pusieron rodilleras y movidas varias típicas de skaters.

El nuevo siglo vino acompañado de la animación y fueron varias las series para la hermana pequeña del cine. En 2003 se estrenó una longeva producción que aumentaba las proporciones de las tortugas haciéndolas más grandes que a un ser humano normal y donde curiosamente Schredder era de origen extraterrestre, en 2007 se estrenó la película de animación por CGI que es canon dentro de las tres primeras de imagen real y que devolvía a las tortugas un aspecto más similar al que lucían en la serie de televisión original.

Ya llegamos a la década actual con la serie que emite Nikolodeon y que es una gozada, cada vez hay más personajes clásicos, saldrán Bebop y Rocksteady y el aspecto de las tortugas pese a ser una serie de animación 3D es más cartoon y deformed que nunca, pero es una gozada verlas en movimiento. Lo mismo que pasa con la película producida por Michael Bay, vale que son enormes y que tienen una fuerza descomunal, que lucen todo tipo de ropas y adornos, pero hay que ver la película para darse cuenta de lo bien hechas que están.

Turtle Power!